Tomajazz Recomienda… un disco: Sassy Swings the Tivoli (Sarah Vaughan, 1963)

Sarah Vaughan. Sassy Swings the Tivoli. Verve.

Cierto. No hay mucho riesgo en recomendar un disco de la tremenda Sarah Vaughan. Pero es de suponer que eso no debiera ser un problema para disfrutar con su tremenda voz.

Tomajazz recomienda… un tema: “Sam-Pan” de Billy Taylor’s Big Eight

Un buen número de Ellingtonians (Rex Stewart, Billy Taylor, Barney Bigard y Juan Tizol como líderes y Johnny Hodges, Lawrence Brown y Harry Carney como acompañantes) grabaron para el sello Keynote a mediados de los años 40. El 1 de agosto de 1944, el contrabajista Billy Taylor, predecesor de Jimmy Blanton en la orquesta ducal, lideró una sesión que, por el nombre del grupo (Big Eight) y por la presencia del guitarrista y arreglista Brick Fleagle, podemos identificar como originaria del sello HRS pero que, por diversos motivos, fue finalmente editada por Keynote.

Aparte de Taylor y Fleagle, la sesión cuenta con la presencia de los saxofonistas Harry Carney y Johnny Hodges, el trompetista Emmett Berry, el trombonista Vernon Brown (un alumno de Benny Goodman que empezó su carrera grabando con la orquesta de Jean Goldkette), el pianista stride Johnny Guarnieri y el excelente batería Cozy Cole.

Uno de los puntos álgidos de la sesión es “Sam-Pan”, probablemente el master más buscado de toda la corta vida de Keynote. Inédito en 78 r.p.m., apareció listado en etiquetas y portadas de LP durante años, aunque en realidad se trataba de otra toma de “Carney-Val In”. Cuando ya se pensaba que el master se había perdido, el productor Koyishi Koyama apareció con dos tomas que incluyó en la excelente recopilación The Essential Keynote Collection. Se trata de un tema poco usual, muy rápido y con complejos arreglos para el grupo, cargado de dramatismo y con bastante sabor a las colaboraciones entre Juan Tizol y Duke Ellington. La primera toma es un poco desorganizada y en ella puede oirse un inusual chirrido en el comienzo del solo de Johnny Hodges. La segunda toma, sin embargo, es magnífica, con breves solos de Guarnieri, Berry, Brown y Carney, un sublime solo de Hodges a un tempo mucho más rápido del habitual y, por encima de todo, un excelente sonido del conjunto.

Disponible en The Complete Keynote Collection (15 CD) (Nippon Phonogram 18PJ-1051/71) y en The Essential Keynote Collection, vol. 5 – The Fabulous Ellingtonians (Mercury 830 926-2)

Tomajazz recomienda… una reedición: Time Out – 50th Anniversary del Dave Brubeck Quartet

Las reediciones son uno de los recursos que las multinacionales utilizan para sacarse unos cuartos muy rentables, posiblemente necesarios para cubrir gastos de preservación de archivos, o para cubrir otros agujeros presupuestarios. En los últimos tiempos esas grandes compañías apenas se salen de sus apuestas seguras y, en el caso de Sony/Legacy, tal “estrategia” incluye al Time Out del cuarteto de Dave Brubeck.

Time Out - 50th Anniversary

Este es uno de esos discos de jazz “culpable” del delito de haber sido popular. A pesar de las reticencias de Columbia en su día a la hora de publicarlo, a pesar de ser un disco experimental (melódico sí, pero rítmicamente novedoso), Time Out fue un éxito de ventas y contó, además, con dos singles con cierto éxito, “Blue Rondo à la Turk” y, especialmente, el “Take Five” de Paul Desmond, a pesar de que el primero es un tema en 9/8 y el segundo no es más que un solo larguísimo del enorme Joe Morello, franqueado por la tierna exposición del tema a cargo de Paul Desmond.

El resto del disco original no tiene desperdicio. Desde la combinación de métricas en “Three to Get Ready”, la belleza pastoril de “Strange Meadowlark” o el swing de “Pick Up Sticks” (con la rotunda presencia de Gene Wright), todo ello bañado en el irremediable romanticismo del saxo alto de Paul Desmond, este es uno de esos registros impecables de principio a fin, con la virtud de ser experimental, al menos para su época, y apto para todos los públicos.

La recomendación explícita de esta reedición se debe al añadido de un segundo CD con temas en directo a cargo del mismo cuarteto, grabados en Newport entre 1961 y 1964, así como un DVD con una extensa entrevista al líder, David Brubeck, nonagenario este año, que explica el origen del disco, y algún otro extra.

Disponible en The Dave Brubeck Quartet: Time Out – 50th Anniversary (Columbia/Legacy 88697 39852 2)

Escucha Time Out – 50th Anniversary en Spotify y MySpace

Tomajazz recomienda… un CD: The Sound Of Summer Running (Marc Johnson)

Tras su exitosa serie bass desires a cuarteto con los guitarristas Bill Frisell y John Scofield, el contrabajista Marc Johnson (conocido, entre otras cosas, por su militancia en uno de los tríos de Bill Evans) sustituyó al segundo por Pat Metheny, dotando a su The Sound Of Summer Running de unas sonoridades cercanas al folk del Medio Oeste estadounidense (completaba la formación otro amanuense de ese lenguaje, el batería Joey Baron).

Siete originales del líder conviven con dos de Frisell y uno de Metheny en una sesión fresca donde Johnson y Baron dejan espacio a los dos guitarristas para que se explayen sin ánimo de competir, sino de ofrecer lo más granado de sus voces. Instantes destacables: el desarrollo melódico de “Summer Running”, el descaro de “Dingy-Dong Day” y el solo de Pat Metheny en el inicial “Faith In You”.

The Sound Of Summer Running (Marc Johnson), publicado en 1998 (Verve 539 299-2)

Tomajazz recomienda… un tema: “Conference Of The Birds” (Dave Holland Quartet, 1972)

Dave Holland - Conference of the Birds

Una de las cosas más divertidas que tiene el jazz es su capacidad de fagocitar sin piedad los prejuicios que los aficionados nos imponemos etiquetas mediante. Un buen ejemplo es el tema de David Holland que daba título al disco publicado por ECM en el año 1973. Ni lo del sello alemán es siempre el sonido etéreo del norte de Europa, ni (sobre todo) eso de la vanguardia presupone la ausencia de melodías. El contrabajista inglés logró crear una de las composiciones más brillantes de las últimas décadas, acompañado en este disco por una formación en la que participaban Anthony Braxton y Sam Rivers, dos primeros pesos de la vanguardia de la época. La introducción y la exposición del tema al contrabajo, acompañado por las flautas de los dos músicos citados, junto a las percusiones y la marimba de Barry Altschul siguen siendo toda una caricia para los sentidos.

David Holland: Conference Of The Birds (ECM 1027)
Escúchalo en Spotify.

Tomajazz recomienda… un tema: “Sing (It’s Good For You)” de Nat Gonella

El 3 de marzo de 1933, un año después de obtener la fama gracias a “Oh! Mo’nah” y “Georgia On My Mind” con la orquesta de Roy Fox y apenas seis meses después de su debut como líder, el trompetista y vocalista Nat Gonella grabó dos temas para Decca: “Sing (It’s Good For You)” y “That’s My Home”. En la parte vocal de “Sing”, el popular músico británico sigue mostrando la fuerte influencia de Louis Armstrong, ídolo y modelo durante toda su carrera. No obstante, en los pasajes de trompeta, Gonella se aleja momentáneamente del aura de Satchmo para caer bajo las redes de Henry Red Allen, del que toma prestado su fraseo asimétrico y su variedad de recursos expresivos para completar un tema redondo y, como su propio título, divertido.

Disponible en
Nat Gonella: The Young Nat Gonella 1930-1936 (Retrieval RTR 79022)

Escúchalo en:
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Tomajazz recomienda… un solo: Bireli Lagrene en “The Days Of Wine And Roses”

Jaco Pastorius & Bireli Lagrene: Stuttgart Aria (Jazzpoint)

Como cualquier escalafón artístico, el canon del jazz es una jerarquía cruel, injusta, imprecisa (todo eso especialmente para el oyente) y, por suerte, variable con el paso del tiempo. Para eso está el tío Adolphus, para señalar joyitas que quedan fuera del canon.

En 1986, con apenas 35 años, Jaco Pastorius había dejado atrás sus días de magia con el bajo eléctrico, instrumento desdeñado por muchos que sólo lo toleran cuando lo toca el de Florida.

En ese mismo año, a uno de la muerte del bajista, éste formaba tándem con el guitarrista gitano Bireli Lagrene que, a sus veinte años, había aparcado la tradición tzigane para adentrarse en los caminos bastardos del jazz eléctrico. Al alimón, Pastorius y Lagrene grabaron Stuttgart Aria un disco irregular a causa de la baja forma del primero y a pesar de la brillantez del segundo.

Esto queda patente en el tema que cierra el disco. “The Days Of Wine And Roses”, un título que apunta dolorosamente a la trayectoria vital de Pastorius, empieza con el sonido inconfundible de su bajo eléctrico marcando la melodía (¡qué buen melodista era este hombre!) acompañado por teclados, más teclados (haciendo las veces de bajo) y batería de escobillas. Tras la exposición del tema Jaco toca un solo poco memorable, como si estuviera apurando las últimas gotas de su magia.

Y en esto entra Lagrene, insuflando vitalidad al grupo (la rítmica se acelera notablemente) a base de blues, de doble velocidad y de pasión, como si se estuviera dejando los dedos para redimir a Jaco de sus días de vino y rosas.

Disponible en Jaco Pastorius & Bireli Lagrene: Stuttgart Aria (Jazzpoint JP-1019)

Escucha “The Days Of Wine And Roses”:
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Tomajazz recomienda… un CD: Chamber Music Of The New Jazz by Ahmad Jamal

Chamber Music Of The New Jazz By Ahmad Jamal

“Toda mi inspiración viene de Ahmad Jamal.  Permanezco vivo hasta que saca otro disco”. La frase, pronunciada por Miles Davis a mediados de los cincuenta, tiene mucho sentido si confrontamos las primeras grabaciones de Jamal con la evolución del quinteto hard-bop del trompetista. Éste no solo tomó prestado gran parte del repertorio de aquél (“New Rumba”, “Surrey With The Fringe On Top”, “Billy Boy”, “Ahmad’s Blues”), también encontró inspiración en el sonido del curioso trío sin batería (piano, guitarra y contrabajo) del pianista.

Ahmad Jamal (nacido Freddy “Fritz” Jones en 1930) hizo del silencio un arte, como queda claro en Chamber Music Of The New Jazz (1955), dejando enormes espacios en su interpretación pianística y bien secundado conceptualmente por el guitarrista Ray Crawford y el discretísimo contrabajista Israel Crosby. Jamal hace descansar continuamente a su mano izquierda, y aprovecha la sonoridad juguetona del registro agudo de su piano en sus solos, desmarcándose de estilos precedentes y ofreciendo un claro contraste con las abigarradas convenciones improvisatorias del be-bop, imperante años antes. La guitarra de Crawford funciona como instrumento rítmico, rellenando con efectos percusivos o con el típico acompañamiento “a negras”, marcando los cuatro tiempos del compás. El repertorio combina standards (entre ellos dos de Gershwin y dos de Cole Porter) con un original de Jamal y otro de Crawford.

La mencionada querencia hacia el silencio, la economía de notas (por tanto la buena elección de estas) y la habilidad de Jamal para improvisar sobre secuencias armónicas extremadamente simples (vamps de uno o dos acordes) fueron parte de la inspiración que orientó a Miles Davis hacia el uso del concepto modal en jazz, como quedó documentado de forma eterna en Kind Of Blue.

Chamber Music Of The New Jazz by Ahmad Jamal, grabado en 1955 (GRP 268202, 2004)

Escuchar en Spotify: Ahmad Jamal – Chamber Music Of The New Jazz
Escuchar en MySpace: Ahmad Jamal – Chamber Music Of The New Jazz

Tomajazz Recomieda… una versión: “Song For My Father” (Ran Blake Horace Is Blue: A Silver Noir, 2000)

Ran Blake "Horace Is Blue. A Silver Noir" (hatOlogy 550)

En el año 1999 el pianista Ran Blake grababa, tras haber impartido un curso sobre la música de Horace Silver en el New England Conservatory of Music, Horace Is Blue: A Silver Noir. En solitario mayormente, acompañado puntualmente por el guitarrista David “Knife” Fabris y el saxofonista James Merenda, recreaba algunos de los temas más reconocibles del gran pianista y compositor del hard-bop. Con su estilo característico, Blake lograba unas lecturas concentradas entre las que destacaba la segunda de las versiones de “Song For My Father”. Si la primera la realizaba en dúo con el guitarrista, que aportaba un cierto toque blues, en la segunda predominaban el espacio y el lirismo característicos de Blake. El tempo lento de la ejecución del pianista servía para desmontar el tema de Silver, a la vez que acentuaba enormemente la belleza y el carácter nostálgico de la melodía original.

“Song For My Father 2″. Disponible en Ran Blake, Horace Is Blue: A Silver Noir (HatOlogy, hatOLOGY 550, 2000)

Tomajazz recomienda… un grupo: The Georgians

En 1922, más de una década antes de que se popularizaran las band within a band con los Bob Cats de Bob Crosby, los Clambake Seven de Tommy Dorsey o los distintos combos de Benny Goodman, este grupo extractado de la orquesta de baile del violinista Paul Specht grabó su primer disco de 78 rpm (“You Can Have Him I Don’t Want Him Blues”/”Hot Lips”, de junio de 1922) bajo su nombre inicial de Specht’s Society Syncopators. Los principales activos de este grupo eran su líder y trompetista de origen italiano Frank Guarente y el pianista y arreglista Arthur Schutt, que luego disfrutaría de cierta fama al tomar parte en destacadas grabaciones de Bix Beiderbecke, Frankie Trumbauer o Red Nichols.

Guarente, de quien se dice que intercambió lecciones con King Oliver, es probablemente el trompetista blanco de mayor calidad en la primera mitad de los años 20 y el más cercano al estilo de Oliver o Freddie Keppard (su break en el chorus final de “I Wish I Could Shimmy Like My Sister Kate” es una buena prueba de ello). Capaz de tocar con intensidad y emoción, dotado de una notable habilidad técnica y un buen manejo de las sordinas, Guarente era capaz de desgranar verso y chorus con un tempo vertiginoso, pero sin sonar crispado, y rematar la faena con una llamada a la sección de cañas al más puro estilo Keppard (“Doodle Doo Doo”).

Por su parte, los arreglos de Arthur Schutt hacían uso inteligente de una amplia gama de colores e instrumentos (por ejemplo, el clarinete bajo de Johnny O’Donnell) y daban cabida a la creatividad de los solistas, situándose a medio camino entre los head arrangements de la Original Dixieland Jazz Band y los arreglos totalmente escritos y orquestados de los Virginians y otros grupos procedentes de la orquesta de Paul Whiteman.

Guarente dejó la banda en mayo de 1924 para irse a Europa, donde montó una nueva versión de los Georgians que giró por ese continente durante tres años. En 1926 grabó varios discos para el sello Kalophon en Zurich, un raro tesoro que hoy en día buscan con avidez los coleccionistas, y en 1928 volvería a los EEUU, si bien los avances estilísticos y técnicos lo relegaron a un papel secundario como músico de estudio y de orquestas de radio.

Las grabaciones completas de los Georgians “americanos” con Frank Guarente pueden encontrarse en dos CD publicados por el sello Retrieval.

Escuchar en MySpace
* The Georgians: 1922-1923 (Retrieval RTR 79003), y
* The Georgians: 1923-1924 (Retrieval RTR 79036).

Escuchar en LastFM
* The Georgians: 1922-1923 (Retrieval RTR 79003), y
* The Georgians: 1923-1924 (Retrieval RTR 79036).